The twentieth century witnessed the creation of many innovative and experimental disciplines in the visual arts.
20세기에는 시각예술에서 혁신적이고 실험적인 분야가 많이 만들어졌다.
Among them was what came to be known as “op art,” or “optical art.”
그것들 중에 ‘옵아트,’ 즉 ‘옵티컬 아트’라고 알려지게 된 것이 있었다.
Found primarily in paintings, op art utilizes certain abstract geometric patterns and color contrasts to create a sense of movement in the mind of the observer.
주로 그림에서 발견되는 옵아트는 보는 이가 움직이는 듯한 느낌을 받을 수 있도록 일정한 추상적인 기하학 패턴과 색채대비를 활용한다.
By tricking the eye with such optical illusions, op art explores the relationship between the act of seeing and the act of perceiving what is seen.
옵아트는 그러한 착시 현상으로 눈속임을 일으키는 것을 통해 보는 행위와 보여지는 것을 인지하는 행위 간의 관계를 탐구한다.
Though its foundations were laid as far back as the 1920s and artists have been experimenting with it ever since then, op art did not gain much recognition until the mid-1960s.
비록 옵아트의 시작이 1920년대까지 거슬러 올라가고, 그 이후로 예술가들이 그것에 대한 실험을 해왔지만, 옵아트는 1960년대 중반이 되어서야 비로소 많은 인정을 받기 시작했다.
An exhibition of international op artists in New York City in 1965 called The Responsive Eye was much celebrated by the public.
1965년 뉴욕에서 <반응하는 눈>이라는 국제적인 옵아트 작가들의 전시회는 대중에게 좋은 반응을 얻었다.
Art critics were less impressed, but the popularity of op art continued to grow during the remainder of the decade.
예술 비평가들은 감명을 덜 받았지만 1960년대 후반 동안 옵아트의 인기는 꾸준히 증가했다.
The dominant quality of op-art paintings is that the images appear to be moving or vibrating.
옵아트 그림의 두드러진 특징은 이미지가 움직이거나 진동하는 것처럼 보인다는 것이다.
Many early op-art works were done primarily in black and white, and they relied on geometric patterns and the repetition of lines to give a two-dimensional picture a sense of depth, shape, and movement.
초기의 많은 옵아트 작품들은 주로 흑백으로 이루어졌고, 2차원적인 그림에 깊이감, 형태감, 운동감을 주기 위해 기하학적인 패턴과 선의 반복에 의존했다.
Such techniques could even create the illusion of color.
그러한 기법들은 심지어 색깔의 착시 현상을 일으키기도 했다.
Later paintings that were done in color seemed to flicker or vibrate in the viewer’s eye as a result of the contrast generated when opposing colors were placed close together.
칼라로 이루어진 후기 그림들은 보색들이 서로 가까이 놓일 때 생기는 대비 현상의 결과로 보는 이의 눈에 깜박거리거나 진동하는 것 같이 보였다.
Even though op-art paintings could create the illusion of a third dimension, it was often difficult to ascertain which aspects of the picture were in the background and which occupied the foreground.
비록 옵아트 그림이 3차원 같은 착각을 일으킬 수 있기는 했지만, 그림의 어느 부분이 배경이고 어느 부분이 전경인지를 규명하는 것은 종종 어려웠다.
In fact, as another type of simulated movement, the foreground and background might appear to be continuously switching places.
사실 또 다른 유형의 가상의 움직임처럼, 전경과 배경이 계속 자리를 바꾸는 것처럼 보일지도 모른다.
The op-art movement was truly an international one.
옵아트 운동은 실로 국제적인 운동이다.
Two of the most recognized artists in the discipline were Bridget Riley of England, whose pieces were mostly black and white, and the Hungarian Victor Vasarely, who often painted in color.
이 분야에서 가장 많은 인정을 받은 예술가들 중 두 명은 주로 흑백 작품을 그린 영국의 Bridget Riley와 종종 칼라로 작품을 그린 헝가리의 Victor Vasarely였다.
Thanks to the recognition received by these artists, op art’s popularity skyrocketed in the 1960s, and it began to appear in graphic designs and fabrics.
이 예술가들이 얻은 인정 덕분에 1960년대에 옵아트의 인기가 치솟았고, 그래픽 디자인과 직물 분야에서 옵아트가 등장하기 시작했다.
For example, the women’s fashion industry incorporated the black-and-white style made famous by Riley.
예를 들어, 여성패션 산업계는 Riley에 의해 유명해진 흑백 스타일을 도입했다.
Demand for op art faded with the start of a new decade, but artists continue to experiment with it today, and exhibitions are held regularly.
옵아트에 대한 수요는 1970년대에 접어들면서 줄어들었지만, 예술가들은 오늘날에도 그에 대한 실험을 계속하고 있으며 전시회도 정기적으로 열리고 있다.
전화문의 070-4042-1075
