In the early 1980s, Vinzenz Brinkmann was studying archaeology as a graduate student at the University of Munich.
1980년대 초, Vinzenz Brinkmann은 뮌헨 대학에서 대학원생으로 고고학을 공부하고 있었다.
He wanted to figure out a way to closely examine the marks left by tools on ancient Greek and Roman marble sculptures, so he developed a special ultraviolet lamp that would reveal marble surfaces in great detail.
그는 고대 그리스와 로마의 대리석 조각품들에 도구로 인해 남겨진 자국들을 면밀히 조사할 수 있는 방법을 생각해 내고 싶었고, 그래서 그는 대리석 표면을 아주 자세히 드러내 보일 특별한 자외선램프를 개발했다.
When Brinkmann shone his lamp on the sculptures, he was astonished to see something that he had not expected.
Brinkmann이 그의 램프를 조각품들에 비추었을 때, 그는 예상하지 못했던 무언가를 보게 되어 깜짝 놀랐다.
There were clear signs of polychromy: the use of various colors in the decoration of statues or works of architecture.
명백한 다색 화법의 흔적들이 있었는데, 그것은 조각상이나 건축물의 장식에 다양한 색깔을 사용하는 것을 말한다.
Brinkmann was curious, so he decided to investigate his findings further by examining more ancient statues.
Brinkmann은 (흔적에 대해) 호기심을 가졌고, 더 많은 고대 조각상을 조사함으로써 그의 발견에 대해 더 연구하기로 결심했다.
To his surprise, he found evidence of polychromy on almost every statue he looked at.
놀랍게도, 그는 그가 살펴본 거의 모든 조각상에서 다색 화법의 흔적을 발견했다.
He soon realized that many of these traces could be detected without his special lamp.
그는 곧 이 흔적들의 대부분이 그의 특별한 램프 없이도 발견될 수 있다는 것을 알아냈다.
They could even be seen clearly with the naked eye.
그것들은 심지어 맨눈으로도 뚜렷하게 볼 수 있었다.
Brinkmann continued to research polychromy in ancient statues with his wife, archaeologist Ulrike Koch-Brinkmann.
Brinkmann은 그의 아내이자 고고학자인 Ulrike Koch-Brinkmann과 함께 고대 조각상들의 다색 화법을 계속해서 조사했다.
Their research showed undeniable evidence that, while white marble was a highly valued material for Greek and Roman sculptors, its smooth surface was not always left bare.
그들의 연구는 흰 대리석이 그리스와 로마의 조각가들에게 높게 평가되는 재료이긴 했지만, 그것의 매끈한 표면이 항상 아무것도 없는 상태로 남겨진 것은 아니었다는 부인할 수 없는 증거를 보여주었다.
Instead, the white marble was used like a canvas.
대신에, 흰 대리석은 캔버스처럼 사용되었다.
Vivid pigments could be applied in order to decorate the sculptures in many rich colors, from yellow, red, and green to blue, pink, and even gold.
선명한 안료들이 조각품들을 노란색, 빨간색, 초록색부터 파란색, 분홍색, 심지어는 금색까지의 많은 다채로운 색깔들로 장식하기 위해 발라졌을 수도 있다.
Does this discovery seem surprising?
이 발견이 놀라워 보이는가?
If someone asks you to imagine a Greek or Roman statue, a pure white divine figure will probably come to mind.
만약 누군가가 당신에게 그리스나 로마의 조각상을 상상해 보라고 한다면, 아마 순백의 신성한 인물상이 떠오를 것이다.
However, Brinkmann and Koch-Brinkmann’s research revealed that this image is actually inaccurate.
하지만 Brinkmann과 Koch-Brinkmann의 연구는 이러한 이미지가 사실은 틀리다는 것을 밝혀냈다.
Where did this misconception about ancient art come from, and when did it first arise?
고대 미술에 대한 이 오해는 어디서 온 것이며, 언제 처음으로 생겼을까?
In fact, it dates back hundreds of years.
사실 그것은 수백 년 전으로 거슬러 올라간다.
White marble has been considered the standard material for sculpture in Western art since the Renaissance, when many ancient sculptures of Greece and Rome were being excavated and newly admired for their artistic beauty.
흰 대리석은 르네상스 때부터 서양 미술에서 조각품의 일반적인 재료로 여겨져 왔는데, (르네상스 때에는) 수많은 고대 그리스와 로마 조각품들이 발굴되었고, 그것들의 예술적인 아름다움으로 새롭게 높이 평가되었다.
Over a period of more than 1,000 years, much of the paint with which these sculptures were originally decorated wore off.
천 년 이상의 기간 동안에, 원래 이 조각품들을 장식했던 물감 대부분이 사라졌다.
Any paint that remained was faded, and more of it came off during the excavation process itself.
남아 있는 모든 물감은 색이 바랬고, 더 많은 물감이 발굴 과정 자체에서 떨어져 나갔다.
As a result, when these ancient statues were taken out of the ground, their surfaces were plain white marble.
결과적으로 그 고대 조각상들이 땅에서 꺼내어졌을 때, 그것들의 표면은 색이 없는 흰 대리석이었다.
People of the Renaissance marveled at the smoothness of the white marble and the striking manner in which it enhanced the contrast of light and shadow.
르네상스의 사람들은 흰 대리석의 매끄러움과 그것이 빛과 그림자의 대조를 강화하는 인상적인 방식에 경이로워했다.
In the year 1489, an ancient Roman sculpture, which became known as the Apollo Belvedere, was dug up in Italy.
1489년에 Apollo Belvedere로 알려지게 된 고대 로마의 조각품이 이탈리아에서 발굴되었다.
Renaissance artists were amazed by how its bare stone surface highlighted the elegant outline of the sculpted body.
르네상스의 예술가들은 그것의 아무것도 없는 돌 표면이 조각된 육체의 우아한 윤곽을 강조하는 방식에 놀랐다.
This discovery reinforced the artists’ admiration for white marble.
이 발견은 흰 대리석에 대한 예술가들의 찬양을 강화했다.
Both artists and scholars began to associate undecorated white marble with ideal beauty.
예술가들과 학자들 모두 장식하지 않은 흰 대리석을 이상적인 아름다움과 연관 짓기 시작했다.
The great Renaissance artist Michelangelo was no exception.
위대한 르네상스의 예술가인 Michelangelo도 예외는 아니었다.
He even traveled to different quarries around Italy in order to purchase high-quality white marble for his own sculptures.
그는 심지어 자신의 조각품들을 위한 고품질의 흰 대리석을 구입하려고 이탈리아 전역의 여러 채석장을 다니기도 했다.
The Renaissance public’s appreciation of bare white stone led to a bias against using color to decorate sculptures, and this resulted in Renaissance artists leaving most of their marble creations unpainted.
아무것도 없는 흰 대리석에 대한 르네상스 대중들의 감탄은 조각품을 장식하기 위해 색깔을 사용하는 것을 안 좋게 보는 편견으로 이어졌고, 이것은 르네상스의 예술가들이 그들의 대리석 창작품 대부분을 색이 칠해지지 않은 채로 두게 했다.
Over time, the association of whiteness with artistic beauty grew strong in people’s minds, and it became deeply rooted in Western art and culture.
시간이 흐를수록, 흰색과 예술적인 아름다움의 연관성은 사람들의 마음속에서 강해졌고, 그것은 서양 미술과 문화에 깊이 정착하게 되었다.
A German scholar who was one of the founders of art history in the West even remarked, “the whiter the body is, the more beautiful it is.”
서양 미술사의 창시자 중 한 명이었던 어느 독일인 학자는 심지어 "신체는 희면 흴수록 더 아름답다"라고 발언했다.
Despite the excavation of ancient Greek and Roman artifacts with traces of color in the 18th and 19th centuries, the bias toward white marble sculpture was so firmly established that people’s perceptions did not alter.
18세기와 19세기에 색깔의 흔적이 있는 그리스와 로마 공예품들이 발굴되었음에도 불구하고, 흰 대리석 조각품에 대한 편견은 너무 확고하게 자리를 잡아서 사람들의 인식이 바뀌지 않았다.
Many scholars simply refused to believe that polychromy was used, while those who did were publicly criticized.
많은 학자들은 그야말로 다색 화법이 사용되었다는 것을 믿기를 거부했고, 그렇게 믿는 학자들은 공개적으로 비난받았다.
Sculptures painted with bright colors and patterns were regarded as inferior works created by immature artists.
선명한 색깔과 무늬로 칠해진 조각품들은 미숙한 예술가들에 의해 만들어진 질 낮은 작품으로 여겨졌다.
Some insisted that Greek and Roman artifacts bearing obvious traces of color were in fact from other civilizations that existed before ancient Greece.
어떤 사람들은 명백한 색깔의 흔적이 있는 그리스와 로마의 공예품들이 사실 고대 그리스 이전에 존재했던 다른 문명에서 왔다고 주장했다.
Until the 1960s, sculptures with noticeable color were largely ignored.
1960년대까지 뚜렷한 색깔이 있는 조각품들은 대체로 무시되었다.
Some of them even had their colors wiped off so that the bare white surface beneath could be seen.
그중 몇 개는 심지어 아래의 흰 표면이 보일 수 있도록 그 색깔들이 닦여 나가기도 했다.
For these reasons, the misconception that formed during the Renaissance lasted all the way into the 20th century.
이러한 이유들 때문에, 르네상스 시대에 형성된 오해가 20세기까지 내내 지속되었다.
However, since the 1980s, thanks to the development of new methods of scientific analysis and the work of scholars such as Vinzenz Brinkmann and Ulrike Koch-Brinkmann, the bias about white marble sculptures has been changing.
하지만 1980년대 이후 새로운 과학적 분석 방법들의 개발과 Vinzenz Brinkmann과 Ulrike Koch-Brinkmann과 같은 학자들의 연구 덕분에, 흰 대리석 조각품들에 대한 편견이 바뀌고 있다.
As research has progressed, it has become increasingly clear that polychromy was not only present but also common among ancient Greek and Roman sculptures.
연구가 진행되면서, 다색 화법이 존재했을 뿐만 아니라 고대 그리스와 로마의 조각품들 사이에서 흔했다는 것이 점점 더 명백해졌다.
The fact that Greek and Roman artists normally decorated their sculptures with vivid colors is now widely acknowledged.
그리스와 로마의 예술가들이 통상적으로 그들의 조각품들을 선명한 색깔들로 장식했다는 사실이 이제는 널리 인정받는다.
Brinkmann and Koch-Brinkmann have gathered sufficient evidence of the colorful past of many sculptures.
Brinkmann과 Koch-Brinkmann은 많은 조각품들의 다채로운 과거에 대한 충분한 증거를 모아 왔다.
They have also created new, colored versions of some of these great works of art, both to benefit research and to enlighten the public.
그들은 또한 연구에 도움이 되기 위해, 그리고 대중을 깨우치기 위해 이 훌륭한 미술 작품 중 몇 개의 새로운 채색된 버전을 만들었다.
These colorful recreations have been displayed in an exhibition called Gods in Color, which has traveled to over 20 different cities around the world and has expanded the understanding of millions of museum visitors since 2008.
이 다채로운 개조물들은 Gods in Color라고 불리는 전시회에서 전시되었는데, 그 전시회는 2008년부터 전 세계 20개 이상의 도시를 순회했고, 수백만 명의 박물관 방문객의 이해를 넓혀왔다.
The colorful replicas are displayed next to white plaster versions made to look like the marble originals, and in some cases the originals themselves.
그 다채로운 복제품들은 대리석으로 된 진품들처럼 보이도록 만들어진 흰 석고 버전이나, 어떤 경우에는 그 진품 자체의 옆에 전시된다.
The contrast has provided an eye-opening experience for the public, challenging artistic biases and deeply rooted misconceptions.
그 대조는 대중들에게 놀라운 경험을 제공하여 예술적인 편견과 깊이 정착한 오해들에 이의를 제기하게 했다.
Brinkmann believes that we need to transform our eyes into objective tools in order to overcome widespread misconceptions.
Brinkmann은 우리가 널리 퍼진 오해를 극복하기 위해 우리의 눈을 객관적인 도구로 바꿔야 한다고 생각한다.
There is an important lesson to be learned from this story.
이 이야기를 통해 배워야 할 중요한 교훈이 있다.
Shouldn’t we pause to ask ourselves if some of our long-held beliefs are the results of stereotypes and biases?
우리가 오랫동안 간직해 온 믿음 중 일부가 고정관념과 편견의 결과물은 아닌지 우리 스스로에게 묻기 위해 잠시 멈춰야 하지 않을까?
Perhaps there is more to the world than meets the eye.
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