Whistling is often thought of as a simple action done without thinking, but some people use whistling to have entire conversations.
휘파람을 부는 것은 흔히 생각 없이 하는 단순한 행동으로 여겨지지만, 어떤 사람들은 모든 대화를 하는 데 휘파람을 사용한다.
Today, as many as 70 whistled languages are used around the world.
오늘날 70개나 되는 휘파람 언어가 전 세계적으로 사용된다.
Some are based on widespread spoken languages, like Spanish, while others are based on languages with few speakers.
어떤 것들은 스페인어와 같이 널리 사용되는 구어를 기반으로 하는 데 반해, 다른 것들은 사용자가 거의 없는 언어를 기반으로 한다.
What they usually have in common is that they are used in mountainous areas or thick forests.
보통 휘파람 언어들이 가지고 있는 공통점은 그것들이 산악 지대나 울창한 숲에서 사용된다는 것이다.
In these surroundings, whistling can be heard more clearly and from farther away than shouting can.
이러한 환경에서 휘파람은 소리를 지르는 것보다 더 분명하게, 더 멀리서도 들릴 수 있다.
Whistled languages are in danger of extinction because they tend to be used in isolated places.
휘파람 언어는 고립된 장소에서 사용되는 경향이 있어서 소멸될 위기에 처해 있다.
Take Sfyria, a whistled language from Antia, Greece, as an example.
그리스 안티아의 휘파람 언어인 스피리아를 예로 들어 보자.
Its whistled sounds are based on the spoken sounds of Greek.
그것의 휘파람 소리는 그리스어의 구어음을 기반으로 한다.
Different combinations of whistled tones represent vowels, and consonants are reproduced by changing the tones of vowels.
휘파람 음조의 다양한 조합은 모음을 나타내고, 자음은 모음의 음조를 바꿈으로써 다시 만들어진다.
In the village where Sfyria originated, the population has declined to 37 people.
스피리아가 생겨난 마을에서는 인구가 37명으로 줄어들었다.
Some residents have lost their teeth in their old age, so only six people able to whistle the language remain.
어떤 주민들은 노년기에 이가 빠져서, 그 언어를 불 수 있는 사람은 단 6명만 남아 있다.
In an attempt to save Sfyria, the people of Antia agreed to teach it to outsiders, something that was not done historically, and in 2012, they held a festival that attracted attention from around Greece and internationally.
스피리아를 보존하기 위해 안티아 사람들은 외부인들에게 그것을 가르치는 데 동의했는데, 그것은 역사적으로 행해지지 않은 것이었으며, 2012년에 그들은 그리스로부터, 그리고 국제적으로 이목을 끈 축제를 열었다.
Some groups have been fairly successful in preserving their whistled languages.
어떤 집단은 자신들의 휘파람 언어를 보존하는 데 꽤 성공했다.
On the island of La Gomera, near northern Africa, a whistled language called Silbo Gomero allows people to communicate in Spanish over long distances.
북아프리카 부근에 있는 라고메라 섬에서, 실보 고메로라고 불리는 휘파람 언어는 사람들이 먼 거리에서도 스페인어로 소통할 수 있게 해 준다.
It works by simplifying the sounds of Spanish into two whistled vowels and four whistled consonants.
그것은 스페인어 소리를 두 개의 휘파람 모음과 네 개의 휘파람 자음으로 단순화함으로써 행해진다.
In the 1950s, the use of Silbo Gomero declined because of new communication technology, but in the 1980s, people began to realize what they were losing and took steps to protect it.
1950년대에는 새로운 통신 기술로 인해 실보 고메로의 사용이 감소했지만, 1980년대에 사람들은 그들이 잃어가던 것을 깨닫기 시작했고, 그것을 지키기 위한 조치를 취했다.
They revived classes in schools and introduced programs for adults, and people of all ages on the island can use Silbo Gomero today.
그들은 학교 수업을 부활시켰고 성인을 위한 프로그램을 도입해서, 오늘날 그 섬에 사는 남녀노소의 사람들이 실보 고메로를 사용할 수 있다.
So why fight to preserve a whistled language when we have long-distance communication tools?
우리에게는 장거리 통신 수단이 있는데 왜 휘파람 언어를 보존하기 위해 노력할까?
Each language carries information about the culture and history of the people who use it.
각각의 언어는 그것을 사용하는 사람들의 문화와 역사에 대한 정보를 전달한다.
As people everywhere begin to communicate in similar ways, will we remember the unique stories of people who saw, and talked about, the world in their own distinctive ways?
모든 곳에 있는 사람들이 비슷한 방식으로 소통하기 시작한다면, 우리는 자신들만의 독특한 방식으로 세계를 보고 그것에 대해 말했던 사람들의 특별한 이야기들을 기억하게 될까?
What would the world be like if everyone could communicate in one language?
만일 모든 사람이 한 가지 언어로 의사소통할 수 있다면 세상은 어떤 모습일까?
There was a man who tried to put this idea into practice—Poland’s Dr. Ludovic Lazarus Zamenhof.
이 생각을 실행에 옮기려고 했던 한 사람이 있다. 바로 폴란드의 루도빅 라자루스 자멘호프 박사이다.
His language, which was developed in the late 1870s and early 1880s, is known as Esperanto.
1870년대 후반에서 1880년대 초반에 걸쳐 개발된 그의 언어는 에스페란토라고 알려져 있다.
It is a constructed language intended for use among people who speak different native languages.
그것은 서로 다른 모국어를 구사하는 사람들 간에 사용하도록 만들어진 인공어이다.
The word “Esperanto” means “a person who is hoping.”
‘에스페란토’라는 단어는 ‘희망하는 사람’이라는 뜻이다.
Zamenhof’s goal was to create an easy and flexible language to foster peace and international understanding and to resolve many of the problems that lead to strife and conflict.
자멘호프의 목표는 평화와 국제적 이해를 증진하고, 분쟁과 갈등으로 이어지는 많은 문제를 해결하기 위해 쉽고도 융통성 있는 언어를 만들어 내는 것이었다.
It was to serve as an international auxiliary language—that is, as a universal second tongue—not to replace ethnic languages.
그것은 민족어들을 대체하기 위함이 아니라 국제적 보조 언어, 즉 전 세계적인 제2언어의 역할을 하기 위함이었다.
The number of speakers grew rapidly over the next few decades, at first primarily in the Russian Empire and Eastern Europe, and then in Western Europe and East Asia.
이 언어를 사용하는 사람의 수는 이후 몇십 년 동안 급속도로 증가했는데, 처음에는 러시아 제국과 동유럽에서 주로 쓰이다가, 그다음에는 서유럽과 동아시아에서 쓰였다.
There are three particular features that make Esperanto easy to learn compared to other languages.
다른 언어들에 비해 에스페란토를 배우기 쉽게 만드는 세 가지 특별한 특징들이 있다.
First, its system uses one letter for one sound, which means the spoken and written language can be learned and applied very quickly.
우선, 이 언어의 체계가 한 가지 소리에 한 글자를 사용한다는 점인데, 그것은 구어와 문어를 아주 빨리 배우고 적용할 수 있다는 것을 의미한다.
Furthermore, just 16 grammatical rules need to be learned to understand nearly all the grammar of Esperanto.
게다가 에스페란토의 거의 모든 문법을 이해하기 위해서는 단 16개의 문법 규칙만 배우면 된다.
Finally, it is easy to form words from the most basic roots, and it is considered acceptable to create your own words.
마지막으로, 가장 기본이 되는 어근으로부터 단어들을 만드는 것이 쉽고, 자신만의 단어를 만들어 내는 것도 허용된다.
It is estimated that around two million people are currently able to speak Esperanto.
약 2백만 명이 현재 에스페란토를 사용할 수 있는 것으로 추정된다.
However, despite its easy-to-learn system, it was never made an official language of any country.
하지만, 배우기 쉬운 체계에도 불구하고 에스페란토는 어떤 나라의 공식 언어도 되지 못했다.
This could be because Esperanto is frequently criticized for having vocabulary and grammar that are too closely related to Western European languages.
이는 에스페란토가 서유럽의 언어들과 너무 밀접하게 연관된 어휘와 문법을 가지고 있다는 비판을 자주 받는 것 때문일 수 있다.
Another common criticism of the language is that it has no culture.
이 언어에 대한 또 하나의 일반적인 비판은 이 언어에 문화가 없다는 것이다.
However, Esperanto is intentionally culturally neutral.
그렇지만 에스페란토는 의도적으로 문화적 중립성을 지키고 있다.
It was intended to be a facilitator between cultures, not the carrier of any one culture.
이 언어는 문화 간의 조력자 역할을 하게끔 의도된 것이지, 어떤 한 문화의 운반자 역할을 하도록 의도된 것은 아니었다.
Perhaps the future of the language depends on the outcome of the dispute between two sides within the Esperanto-speaking community: those who retain the original goal that Esperanto must become the universal second language and those who instead treat Esperanto as a kind of alternative lifestyle with no grand ambitions.
어쩌면 이 언어의 미래는 에스페란토를 사용하는 집단 내에 존재하는 양측 논쟁의 결과에 달려있다고 볼 수 있다. 즉, 에스페란토가 세계 제2언어가 되어야 한다는 원래의 목표를 지닌 측과, 큰 야심 없이 에스페란토를 일종의 대안적인 생활 양식으로 여기는 또 다른 측을 말한다.
Rembrandt, a baroque artist, ranks as one of the greatest painters in Western history.
바로크 시대의 화가인 렘브란트는 서양사에서 가장 위대한 화가 중 한 사람으로 손꼽힌다.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn was born on July 15, 1606, in Leiden, Netherlands.
렘브란트 하르먼스존 판 레인은 1606년 7월 15일 네덜란드의 레이던에서 태어났다.
Combining a deep understanding of human nature with brilliant technique, he produced nearly 600 paintings.
그는 인간 본성에 대한 깊은 이해와 뛰어난 기교를 결합하며 거의 600점에 이르는 그림을 그렸다.
Rembrandt’s work is famous for his command of light and dark, often using contrast to draw the viewer into the painting.
렘브란트의 작품은 명암 표현 능력으로 유명한데, 보는 사람을 그림 속으로 끌어들이는 대비를 자주 사용하였다.
This feature is best shown in Night Watch, his largest painting.
이러한 특징은 그의 가장 큰 그림인 <야간 순찰>에서 가장 잘 나타난다.
It was completed in 1642, at the peak of the Dutch Golden Age.
그것은 네덜란드 황금시대의 절정이었던 1642년에 완성되었다.
Viewing the painting in person, one is struck by the extreme contrast between light and dark, which adds to the feeling of movement and depth.
그 그림을 직접 보면 명암의 극단적인 대비에 탄복하게 되는데, 그것은 동적 효과와 깊이감을 더한다.
There is a man in the foreground of the painting carrying a spear that almost appears to be three-dimensional.
그림의 전경에 거의 삼차원처럼 보이는 투창을 들고 있는 한 남자가 있다.
This illusory depth shows what a genius Rembrandt was.
이러한 착각을 일으키는 깊이감은 렘브란트가 얼마나 천재였는지를 보여준다.
His ability to use light and color, along with linear perspective, brings his paintings to life.
직선 원근법과 함께, 빛과 색을 사용하는 그의 능력은 그의 그림에 활기를 불어넣는다.
However, if you were to look at a reproduction of Night Watch in a book, you would not be able to appreciate this.
하지만, 여러분이 책에서 <야간 순찰>의 복제본을 본다면 이를 감상할 수 없을 것이다.
The spear, which seems so real in person, looks completely unremarkable in a photograph.
직접 보면 정말 실제 같은 투창이 사진에서는 전혀 두드러져 보이지 않는다.
From the late 1630s, Rembrandt began to paint landscapes.
1630년대 후반부터 렘브란트는 풍경화를 그리기 시작했다.
These works focused on the darker side of nature, showing mysterious scenes such as huge fallen trees in a storm or threatening skies.
이 작품들은 폭풍을 맞고 쓰러진 거대한 나무나 위협적인 하늘과 같이 신비로운 장면들을 보여주면서, 자연의 더 어두운 면에 중점을 두었다.
Such characteristics can be found in his painting Stormy Landscape (1638).
이러한 특징들은 그의 그림인 <폭풍우 몰아치는 풍경>(1638)에서 찾아볼 수 있다.
Toward the end of his life, Rembrandt painted some of his finest self-portraits, highlighting the effect that grief and sorrow had had on his face.
그의 인생 막바지에 이르러, 렘브란트는 자신의 얼굴에 서려 있던 고뇌와 슬픔의 느낌을 강조하여 그의 가장 훌륭한 자화상들 중 일부를 그렸다.
They reflected his painful family life as opposed to his successful public career.
그것들은 대중에게 알려진 그의 성공적인 이력과는 대조되는 그의 가슴 아픈 가정사를 반영한 것이었다.
The numerous self-portraits he produced give us a remarkable record of the aging process of his own facial features in addition to the changes of his own character.
렘브란트가 그린 수많은 자화상들은 그 자신의 성격 변화와 더불어 자신의 얼굴 이목구비가 노화되어 가는 과정의 두드러진 기록을 우리에게 보여준다.
Compared to other artists of his time, Rembrandt studied the world surrounding him more clearly and with greater insight.
당대의 다른 화가에 비해 렘브란트는 더 명료하게, 더 깊은 통찰력으로 그를 둘러싼 세계를 연구했다.
The consistently high standard throughout his work has earned Rembrandt the reputation of being a central figure in the golden age of Dutch art.
그의 작품들을 통틀어 한결같이 지킨 높은 기준은 그가 네덜란드 미술의 황금시대의 한 중심 인물이 되는 명성을 얻도록 해 주었다.
After the Renaissance period had come to a close, European art was transformed with the dawn of the Baroque period around 1600.
르네상스 시대가 끝난 뒤, 유럽의 미술은 1600년경 바로크 시대의 도래와 함께 변화를 겪었다.
Baroque style originated in Rome and spread to most of Europe.
바로크 양식은 로마에서 시작되어 유럽 대부분의 지역으로 퍼져 나갔다.
The popularity and success of the Baroque movement was encouraged by the Catholic Church’s populist movement.
바로크 운동의 인기와 성공은 가톨릭 교회의 대중주의 운동에 의해 장려되었다.
In response to the challenge of the Protestant Reformation in the 17th century, the Catholic Church promoted traditional values of spirituality.
17세기에 있었던 종교 개혁의 도전에 대응하여 가톨릭 교회는 영성의 전통적인 가치를 장려했다.
The Church intended to use art as a tool of communicating its teachings to the illiterate as well as the educated.
가톨릭 교회는 교육을 받은 사람들뿐만 아니라 글을 모르는 사람들에게도 그 가르침을 전하기 위한 수단으로 미술을 이용하려 했다.
Many Baroque artists drew religious themes with direct, emotional involvement.
다수의 바로크 미술가들은 직접적이고 감정적으로 개입해서 종교적인 주제를 그렸다.
While the classical art of the Renaissance promoted human reason, Baroque art focused on feelings and human sensitivity.
르네상스 시대의 고전 미술이 인간의 이성을 장려한 데 반해, 바로크 미술은 감정과 인간의 감성에 초점을 맞췄다.
In an attempt to appeal to the senses, Baroque artists tried to show emotion, variety, and movement in their artwork.
감각에 호소하기 위한 하나의 시도로, 바로크 미술가들은 그들의 작품 속에서 감정과 다양성, 그리고 움직임을 보여주려고 했다.
They did this by using strong contrasts in value.
그들은 명암의 강한 대비를 사용해서 이를 해냈다.
Employing different colors, they highlighted the power of brightness and darkness to show paintings in a more emotional way.
다양한 색을 사용하여 그들은 그림을 보다 더 감성적인 방식으로 보여주기 위해 명암의 힘을 강조했다.
They also dealt with real life and common people as subjects rather than idealized, perfectly formed models like those used in the Renaissance period.
그들은 또한 르네상스 시대에 쓰였던 것과 같이 이상화되고 완벽한 체형을 가진 모델 대신 실생활과 보통 사람들을 소재로 다루었다.
Caravaggio and Annibale Carracci are two great figures of the Baroque tradition, bringing a new richness to Italian painting.
카라바조와 안니발레 카라치는 바로크 전통의 위대한 두 인물로, 이탈리아 미술에 새로운 풍부함을 가져왔다.
The peak point of Baroque art was the work of Gian Lorenzo Bernini, who dominated the High Baroque period with his energetic and spectacular art forms.
바로크 미술의 정점은 지안 로렌조 베르니니의 작품이었는데, 그는 힘이 넘치고 웅장한 예술 형식으로 바로크 시대 전성기를 주도했다.
Although the Baroque movement actually started in Rome, it eventually influenced the artists of the Netherlands, France, Germany, and Spain, undergoing some change in each of the countries to which it migrated.
바로크 운동은 사실상 로마에서 시작되었지만, 그것이 전파된 각 나라에서 어느 정도의 변화를 겪으면서, 결국 네덜란드, 프랑스, 독일, 그리고 스페인의 미술가들에게 영향을 미쳤다.
Dutch Baroque was based more on everyday life and led to the dominance of portraiture, landscape, and still life, as illustrated by the works of Vermeer and Rembrandt.
네덜란드의 바로크 양식은 일상생활에 좀 더 기반을 두었고, 베르메르와 렘브란트의 작품에서 나타나듯이 초상화, 풍경화, 그리고 정물화의 우세로 이어졌다.
In France, the Baroque style was used in the major art forms and promoted by the monarchy.
프랑스에서는 바로크 양식이 주된 예술 형식으로 쓰였으며 군주제에 의해 장려되었다.
By the beginning of the 18th century, the Baroque style had been largely replaced by the lighter Rococo movement that developed in the art world of Paris.
18세기가 시작될 즈음에, 바로크 양식은 파리의 미술계에서 발달한 좀 더 경쾌한 로코코 운동에 의해 대부분 대체되었다.
Nevertheless, Baroque art and its influence continued to spread around the world.
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