Most countries have a legally established minimum wage, which is the lowest hourly wage businesses can pay their employees.
대부분의 국가에서는 기업이 직원들에게 지불할 수 있는 가장 적은 시간 수당인 최저 임금을 법으로 정해놓고 있다.
The primary goal of these laws is to reduce poverty by protecting unskilled workers.
이 법의 주요한 목적은 미숙련 노동자들을 보호하면서 빈곤 문제를 줄이려는 것이다.
While an appropriate minimum wage generally achieves this, it can potentially lead to higher unemployment rates, harming the very workers it seeks to protect.
적절한 최저 임금이 일반적으로 이 목표를 달성하고는 있지만, 잠정적으로는 보호하고자 했던 바로 그 노동자들에게 피해를 끼치며 더 높은 실업률을 야기할 수도 있다.
New Zealand became the first nation to pass a minimum wage law in 1894, with many other countries soon following its example.
뉴질랜드는 1894년 최저 임금법을 통과시킨 최초의 국가였고, 이후 많은 국가들이 곧 그 전례를 따랐다.
Each nation sets its own minimum wage based on a number of financial factors, including standard of living, labor supply and demand, and inflation rates.
각 나라는 생활 수준, 노동 수급, 물가 상승률을 포함한 여러 경제적인 요인에 기초하여 최저 임금을 책정한다.
However, the established minimum wage is often subject to adjustment due to changes in the country’s economic situation.
하지만 책정된 최저 임금은 나라의 경제 상황에 따른 변화 때문에 종종 변경된다.
Supporters of these laws believe they are effective in assuring a fair wage not only to unskilled workers, but also to women, youths and other groups that have historically been underpaid in the workplace.
이 법을 지지하는 사람들은 이 법이 미숙련 노동자들뿐만 아니라 오랫동안 근무지에서 제대로 보수를 받지 못했던 여성, 청소년 및 다른 집단에게 타당한 임금을 보장해주는 데 효력을 발휘하고 있다고 믿고 있다.
They also point to additional societal benefits of a minimum wage, such as a healthy economy, thanks to low-income workers’ ability to spend more, and an improved morale and work ethic of employees.
또한 그들은 최저 임금의 부가적인 사회적 혜택을 이유로 들기도 하는데, 저소득 근로자들이 소비를 더 많이 하게 되어 경제가 탄탄해지고 직원들의 사기와 직업 의식이 향상된다는 것이다.
Those who oppose minimum wage laws, on the other hand, argue that they fail to achieve the goals they were designed to meet.
반면 최저 임금법에 반대하는 사람들은 법이 충족시키려고 했던 목적을 달성하는 데 실패했다고 주장한다.
In some nations, the establishment of a minimum wage has increased unemployment, and this has led to the country’s overall earnings actually going down instead of going up.
몇몇 국가에서는 최저 임금 확립이 실업률을 증가시키고, 이는 결국 나라의 전체적인 소득이 증가하는 대신 낮아졌다는 것을 의미한다.
This is due primarily to small businesses being forced to reduce their staff in order to comply with the new laws.
이것은 주로 이 새로운 법을 따르려고 직원 수를 줄일 수 밖에 없었던 작은 기업들 때문이다.
Other businesses seek to regain profits lost to increased wages by raising the prices of their goods and services, a response that can lead to inflation.
어떤 기업들은 상승된 임금으로 인해 줄어든 이익을 찾기 위해 상품 및 서비스 가격을 올리는데, 이는 물가 상승으로 이어질 수 있다.
These critics also point to statistics that show that the majority of workers directly affected by minimum wage laws don’t actually come from families living in poverty.
이러한 비판은 최저 임금법에 직접적으로 영향을 받은 대다수의 근로자들이 실제로 빈곤하게 살아가는 가족이 아니라는 것을 보여주는 통계도 지적한다.
In most countries, a heated debate continues over this issue.
대부분의 나라에서 이 문제에 관한 격론이 계속되고 있다.
Some people think the minimum wage should be increased, and others think it should be decreased, while still others believe it is best to eliminate it entirely.
어떤 사람들은 최저 임금이 인상되어야 한다고 생각하고, 어떤 사람들은 인하되어야 한다고 생각하는 와중에, 그것을 완전히 없애는 것이 최선이라고 믿는 사람들도 여전히 있다.
Ultimately, it is the overall impact of minimum wage laws that must be carefully analyzed in order to determine the worth of such legislation.
궁극적으로 이러한 법 제정의 가치를 확립하기 위해 신중히 분석해야 하는 것은 최저 임금법의 전반적인 영향이다.
Copyright protects the intellectual property of individuals and corporations from what would essentially amount to theft: the purposeful duplication and redistribution of their creations.
저작권은 개인과 기업의 지적 재산을 실질적인 절도에 해당하는 것, 즉 창작물에 대한 의도적인 복제와 재배포로부터 보호해준다.
But there’s a segment of the computer programming community that encourages the public to modify and redistribute its software.
그러나 대중들이 그것의 소프트웨어를 변경하여 이를 재배포하는 것을 장려하는 컴퓨터 프로그래밍의 한 분파가 있다.
To make their intentions clear, they’re supplementing their copyright with something known as copyleft.
자신들의 목적을 분명히 하기 위해, 그들은 그들의 저작권을 카피레프트라고 알려진 말로 보완하고 있다.
Legal ownership of a creation is established by a copyright.
창작물에 대한 법적 소유권은 저작권에 의해 설정된다.
Copyright protects software developers from having their programs copied, modified, or resold.
저작권은 소프트웨어 개발자들을 그들의 프로그램이 복제, 변경, 또는 재판매되는 것으로부터 보호해준다.
By granting them exclusive rights to their own creations, copyright allows programmers to work without fear of theft.
그들에게 창작물에 대한 독점권을 부여함으로써, 저작권은 프로그래머들이 도용에 대한 두려움 없이 일하도록 해준다.
Copyright is effective because it is easy to obtain, there aren’t any prohibitive costs, and it can be enforced in a court of law.
저작권은 획득하기 쉽고, 과도한 비용이 들지 않으며, 법원에 의해 집행될 수 있기 때문에 효과적이다.
There are weaknesses, however.
하지만 단점들도 있다.
According to proponents of the open source software movement, it can hinder the improvement of software, as it blocks opportunities for sharing any source codes or functions.
오픈 소스 소프트웨어 운동의 지지자들에 따르면, 저작권은 소스 코드나 기능들을 공유할 수 있는 기회를 막기 때문에 소프트웨어의 개선에 걸림돌이 될 수 있다고 한다.
Copyleft, a play on the term copyright, demonstrates the idea of open source software, which is also known as free software.
저작권이란 단어를 재미있게 바꾼 말인 카피레프트는, 자유로운 소프트웨어로도 알려진 오픈소스 소프트웨어의 개념을 설명해준다.
The word “free” doesn’t refer to the cost of the programs, although many are distributed without charge.
많은 프로그램들이 무료로 배포되긴 하지만, ‘free’라는 단어는 프로그램의 비용에 대해 얘기하는 것이 아니다.
Instead, it’s the freedom of users to access the programing code of the software.
대신 이는 사용자들이 소프트웨어의 프로그래밍 코드에 접근할 수 있는 자유를 가리킨다.
Copyleft basically incorporates the copyright’s assertion of ownership but goes on to grant the public the right to access, modify, and freely redistribute the program.
카피레프트는 기본적으로 저작권의 소유권에 대한 주장을 포함하지만, 나아가 대중들에게 프로그램에 접근하고, 그것을 변경하며, 자유롭게 재배포할 수 있는 권한을 부여한다.
Modified versions of the software are also covered by the conditions of the copyleft, thereby deterring dishonest individuals seeking to profit from someone else’s work.
변경된 버전의 소프트웨어에 대해서도 카피레프트의 조건들이 적용되며, 따라서 이는 부도덕한 개인들이 다른 사람의 작업물로 이득을 추구하려는 것을 방지한다.
By keeping programs free, the entire software community is able to contribute to the improvement and evolution of products, modifying them to meet specialized needs and sharing them appropriately.
프로그램들을 자유롭게 열어둠으로써, 전체 소프트웨어 집단은 제품의 개선과 발전에 기여할 수 있으며, 그 프로그램들을 변경하여 특수한 요구들에 부응하고, 또 그것을 적절히 공유한다.
However, the details of what is and isn’t permitted under a copyleft can be a bit of a gray zone.
하지만 카피레프트에서 어떤 부분이 허용되고 어떤 부분이 허용되지 않는지에 관한 세부사항은 다소 애매할 수 있다.
And the potential confusion could discourage creativity.
그리고 그런 혼동의 가능성은 창의성을 저해할 수도 있다.
Therefore, copyleft should be considered as an enhancement to the concept of copyright, rather than an alternative.
따라서 카피레프트는 하나의 대안이라기보다는 저작권의 개념을 한 단계 끌어올린 것으로 간주되어야 한다.
Both of these protections are needed to keep the software industry healthy and productive.
이 두 가지 보호는 소프트웨어 산업을 건강하고 생산적으로 만드는 데 필요하다.
Copyright establishes clear ownership, and copyleft attracts users and allows products to evolve.
저작권은 명확한 소유권을 설정해주며, 카피레프트는 사용자들을 유인하며 제품이 발달하도록 한다.
Together, they create an environment that benefits both those who create computer programs and those who wish to use them.
이 두 가지는 함께 컴퓨터 프로그램을 만들어내는 사람과 그것들을 사용하고자 하는 사람들 모두에게 이익을 주는 환경을 만들어낸다.
Since the mid-1800s, Broadway in New York City has staged the best of live theater and drama, attracting tourists from around the world.
1800년대 중반 이래로 뉴욕시의 브로드웨이는 최고 수준의 공연과 극을 무대에 올려 왔고, 전 세계로부터 관광객들을 끌어들이고 있다.
It’s a district where actors and singers live out their dreams, and where an art form has transformed itself to fit the changing demands of each era.
그곳은 배우와 가수들이 그들의 꿈을 이뤄가는 장소이며 예술의 형태가 각 시대의 변화하는 요구에 부응하고자 그 자체를 변화시켜온 곳이다.
Broadway is also the birthplace of musical theater as we know it today.
브로드웨이는 또한 우리가 오늘날 알고 있는 것과 같은 뮤지컬 공연장의 발상지이기도 하다.
The first production considered to be a modern musical was staged on Broadway in 1866.
현대 뮤지컬로 간주되는 첫 번째 작품은 1866년에 브로드웨이에서 상연되었다.
The Black Crook introduced what became hallmarks of Broadway theater: elaborate costumes, complex dance numbers, and lines of chorus girls.
<흉악한 사기꾼 >은 정교한 의상, 복잡한 댄스곡들 그리고 코러스 걸의 대열과 같은 브로드웨이 극의 특징이 된 것들을 도입하였다.
The quality of the productions improved, the audiences got bigger, and shows started running for longer periods, so in the 1890s and early 1900s, hundreds of musicals were being performed in some 80 theaters.
작품의 수준은 향상되었고 관객의 규모도 커져갔으며, 쇼는 장기간 상연되기 시작해서 1890년대와 1900년대 초반경에는 80여 개의 극장에서 수백 개의 뮤지컬이 공연되었다.
Huge billboards advertising the numerous shows lit up the street, giving Broadway the nickname “The Great White Way.”
수많은 공연을 광고하는 거대한 광고판이 거리에 불을 밝혔고, 브로드웨이에는 ‘백색대로 ’라는 애칭이 붙게 되었다.
With the end of the Depression in the 1930s and the onset of World War II, the nature of Broadway theater began to reflect a new social consciousness.
1930년대의 경제 대공황의 종말과 제2차 세계 대전의 발발과 함께 브로드웨이 극장계의 성향은 새로운 사회적 인식을 반영하기 시작했다.
People went to the theater to allay their anxieties about the war, while the shows themselves expressed views on the changing social values.
사람들은 전쟁에 대한 그들의 불안감을 가라앉히기 위해서 극장에 갔던 반면에, 쇼들 자체는 변화하는 사회적인 가치관에 대한 견해를 표현했다.
Referred to as The Golden Age, this period redefined the genre, with plays like 1943’s Oklahoma! exploring social and historical issues.
황금기라고 일컬어지는 이 시기는, 사회적이고 역사적인 주제를 탐구했던 1943년의 <오클라호마!>와 같은 연극들을 통해 그 장르를 재정의했다.
Theater used song and dance to help develop the plot of the story instead of using musical numbers simply for entertainment value.
연극작품은 단순히 오락적인 가치를 위해서 뮤지컬 곡을 사용하는 대신에 이야기의 줄거리를 발전시키는 것을 돕기 위해 노래와 춤을 이용했다.
Some musicals, such as South Pacific, by Rodgers and Hammerstein, contained controversial themes like racism and interracial marriage.
Rodgers와 Hammerstein의 작품인 <남태평양>과 같은 일부 뮤지컬들은 인종차별이나 다른 인종 간의 결혼과 같은 쟁점이 되는 주제를 담고 있었다.
When the area around Times Square became overrun with crime in the 1960s, some believed the good times on Broadway were over.
1960년대, 타임스 스퀘어 주변에 범죄가 들끓게 되었을 때, 일부는 브로드웨이의 좋은 시절은 끝났다고 생각했다.
But the district was cleaned up, and by the 1980s it was undergoing a revival thanks to its staging of large-scale pop operas such as Les Misérables and Cats.
하지만 그 지역은 재정비되었고 1980년대에 그곳은 <레 미제라블>이나 <캣츠>와 같은 대규모의 팝 오페라들의 상연 덕분에 부흥기를 거쳤었다.
By the 1990s, Broadway theater was in a renaissance, with musicals like Moulin Rouge and Chicago reinterpreting the styles of the past.
1990년대에 브로드웨이 극장계는 <물랑 루즈>나 <시카고>와 같이 과거의 스타일을 재해석하는 뮤지컬들로 인해 부흥기를 맞았다.
Musical theater on Broadway has evolved over the years, with each era reflecting a change in American society.
긴 세월에 걸쳐 브로드웨이의 뮤지컬 극장은 미국 사회 내의 변화를 반영하는 각 시대와 더불어 진화해왔다.
Although only half the theaters remain from the original boom of the early 20th century, the district continues to stage performances that live up to its reputation of delivering top-notch live theater, and it is crowded with tourists who inject millions of dollars into the local economy.
20세기 초반의 원래의 전성기에 비해 겨우 절반 가량의 극장만이 남아있다고는 해도, 그 지역은 최고의 라이브 공연을 전달한다는 명성에 걸맞게 공연들을 계속해서 무대에 올리고 있으며, 그곳은 그 지역 경제에 수백만 달러의 돈을 쏟아 붓고 있는 관광객들로 넘쳐나고 있다.
There will be much attention paid to the further development of Broadway as a symbol of live theater and musicals throughout the world.
라이브 공연과 뮤지컬의 상징으로서 브로드웨이의 더 많은 발전에 대해 전 세계적으로 많은 관심이 계속 기울여질 것이다.
Seated within the larger context of English Renaissance theatre, Elizabethan theatre refers to English plays appearing during the reign of Queen Elizabeth I, from 1558 to 1603.
영국 르네상스 시대의 극이라는 더 큰 맥락에서 보면, 엘리자베스 시대의 극은 엘리자베스 1세 여왕의 통치기인 1558년부터 1603년까지 나타난 영국 연극을 가리킨다.
However, because so many theatrical precedents were established during this period, the label of Elizabethan theatre often applies to all English drama up until the country’s theatres were closed in 1642.
그러나 이 시기에 너무 많은 극의 전례들이 확립되었기 때문에 엘리자베스 시대 극이라는 명칭은 종종 1642년에 영국의 극장들이 폐쇄될 때까지의 모든 영국 희곡에 적용된다.
Before 1558, mobile acting troupes performed mainly in inns and public spaces, as there were no buildings specially designated as theatres in England.
1558년 이전에는, 유랑 극단이 주로 여인숙과 공공 장소에서 공연을 했는데, 이는 영국에 특별히 극장으로 지정된 건물이 없었기 때문이었다.
Laws passed by the queen gradually phased out these traveling companies in favor of larger, settled groups based in newly constructed theatres around London.
여왕이 통과시킨 법들은 런던 주위에 새로 세워진 극장들에 기반을 둔 규모가 더 큰 정착 집단들을 위해 이 유랑 극단들을 점차 단계적으로 줄여나갔다.
Elizabethan theatres, best represented by The Globe, shared a similar design.
글로브 극장으로 가장 잘 대표되는 엘리자베스 시대의 극장들은 유사한 디자인을 공유했다.
They were rounded, three stories high, and open air.
원형에 3층 높이였고, 노천 극장이었다.
Wealthier patrons enjoyed seats in the covered galleries that surrounded the stage on three sides, while others paid a minimal price to stand in the central yard.
더 부유한 고객들은 무대를 삼면에서 둘러싸는 덮개 있는 관람석에 앉는 한편, 다른 사람들은 최소 가격을 지불하고 중앙의 마당에 서 있었다.
Around the turn of the 17th century, smaller, enclosed performance spaces were also built.
17세기에 들어서면서, 더 작고 사방이 막힌 공연장들도 지어졌다.
Playwrights during this period were of various backgrounds.
이 시기 극작가들의 출신 배경은 다양했다.
Some received their educations at England’s prestigious universities, but many did not.
어떤 사람들은 영국의 명문 대학에서 교육받았지만, 많은 사람들은 그렇지 않았다.
It was not a very lucrative occupation, as acting companies bought plays and owned all the rights to them.
극작가는 그다지 돈벌이가 되는 직업이 아니었는데, 극단이 희곡을 사서 그것에 관한 모든 권리를 소유했기 때문이었다.
The most well known playwright, William Shakespeare, was financially successful only because he owned a share in the company he wrote plays for, many of which debuted at The Globe.
가장 많이 알려진 극작가인 윌리엄 셰익스피어도 그가 희곡을 써 준 극단의 지분을 가지고 있었기 때문에 재정적으로 성공한 것이었으며, 그의 많은 희곡 작품이 글로브 극장에서 처음으로 공연되었다.
His sizable collection of dramas, comedies, and histories is seen as the definitive example of Elizabethan theatre.
상당히 많은 그의 정극, 희극, 그리고 사극 작품들은 엘리자베스 시대극의 확실한 표본으로 간주된다.
The lack of elaborate scenery and special effects meant that Elizabethan theatre relied heavily on the actors and the versatility of the theatre space to convey the complex content of a play.
정교한 무대 배경과 특수 효과가 부족했다는 점은 엘리자베스 시대의 극이 연극의 복잡한 내용을 전달하기 위해 주로 배우와 극장 공간의 다용성에 크게 의존했음을 의미한다.
Often the costume of an actor could signify that character’s gender, social class, mental state, and the time of day in which the scene was taking place.
배우의 의상은 종종 등장인물의 성, 사회 계층, 정신 상태 그리고 그 장면이 벌어지는 시간을 나타낼 수도 있었다.
Likewise, ample use was made of such physical features as the balcony above the stage, which allowed for the expression of concepts like time, distance, and supernatural events.
마찬가지로, 무대 위의 발코니 같은 물리적인 특징들도 충분히 활용되었는데, 이는 시간, 거리 그리고 초자연적인 사건과 같은 개념들을 표현할 수 있도록 해주었다.
In 1642, the English Civil War resulted in the closure of London’s theatres.
1642년에 영국 내란으로 런던의 극장들이 폐쇄되었다.
Once the monarchy regained power, they were reopened, but by this time a more Puritanical outlook was in fashion, and the subject and nature of drama changed accordingly.
군주제가 다시 복원되자 극장들이 다시 개장했지만, 이 무렵엔 더 청교도적인 견해가 유행하였으며 극의 주제와 성격이 그에 따라 변화했다.
Yet, many principles from Elizabethan theatre remained, and early English Renaissance plays are still some of the most recognized in the Western world.
그러나 엘리자베스 시대극의 많은 원칙들이 남아있었으며, 초기의 영국 르네상스 희곡들은 여전히 서구 세계에서 가장 인정받고 있다.
카페
고객센터
070-4042-1075 (평일 오전 9:30 ~ 오후 6시)
